{"id":28326,"date":"2026-06-02T12:33:30","date_gmt":"2026-06-02T10:33:30","guid":{"rendered":"https:\/\/www.obalne-galerije.si\/?p=28326"},"modified":"2026-06-03T13:23:11","modified_gmt":"2026-06-03T11:23:11","slug":"stratificazione-mostra-collettiva","status":"publish","type":"post","link":"https:\/\/www.obalne-galerije.si\/it\/stratificazione-mostra-collettiva\/","title":{"rendered":"STRATIFICAZIONE – MOSTRA COLLETTIVA"},"content":{"rendered":"

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Stratificazione<\/em> –\u00a0<\/strong>
Mostra collettiva internazionale |\u00a0\u00a0<\/strong><\/p>\n

Galleria Medusa, Capodistria, 12.06.2026\u201320.09.2026 –\u00a0<\/strong>
inaugurazione: venerd\u00ec, 12.06.2026, alle ore 19.00 |\u00a0<\/strong><\/p>\n

A cura di: Andrea B\u00f3dis, Barna Benedek, J\u00falia\u00a0N. M\u00e9sz\u00e1ros, Mil\u00e1n B\u00f3dis,\u00a0<\/strong>
Coordinazione: Tatjana Sirk.<\/strong>\u00a0<\/strong><\/p>\n<\/p>\n

Artiste in mostra:<\/p>\n

Linda Arts <\/strong>(NL), Bet<\/strong>i Bricelj <\/strong>(SI), Maria<\/strong> Chakarova<\/strong> (BG), Rita Ernst <\/strong>(CH), T\u00fcnde<\/strong> F\u00fcl\u00f6p<\/strong> (HU), Katalin Ha\u00e1sz <\/strong>(HU), Jos\u00e9 Heerkens <\/strong>(NL), Barbara H\u00f6ller <\/strong>(AT), Ingrid Hornef <\/strong>(DE), Martina Klein <\/strong>(DE), \u00c1gnes Kontra <\/strong>(HU), Zsuzsanna K\u00f3r\u00f3di <\/strong>(HU), Minami<\/strong> Miyajima<\/strong> (JP), Gabi Mitterer <\/strong>(AT), Riki Mijling <\/strong>(NL), Katja<\/strong> P\u00e1l<\/strong> (SI), Rita Rohlfing <\/strong>(DE), Anik\u00f3 Robitz <\/strong>(HU), Esther Stocker<\/strong> (IT), Anna<\/strong> Szprynger<\/strong> (PL), Mar Vicente <\/strong>(ES), Olga<\/strong> Zabron<\/strong> (PL).<\/p>\n

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\n\t\n\t\t<\/i> INVITO: DOWNLOAD\t<\/a>\n<\/div>\n
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La mostra <\/span>Stratificazione<\/em> presenta ventidue artiste contemporanee di arti visive di varie generazioni, provenienti da dieci Paesi europei e dal Giappone, accomunate da un linguaggio espressivo specifico, riconducibile principalmente all’Op Art. La mostra nasce dalla collaborazione tra le Gallerie costiere Pirano e la <\/span>37 Gallery<\/em>, galleria privata di Budapest diretta da Andrea B\u00f3dis. Si tratta di uno spazio espositivo di dimensioni contenute situato nel centro culturale di \u00dajbuda, uno dei pochi in Ungheria a dedicarsi alla promozione dell’arte visiva contemporanea di alta qualit\u00e0 e alla costruzione di una vasta rete di relazioni artistiche internazionali. Attiva dal 2010, la galleria riserva particolare attenzione alle artiste e agli artisti emergenti, ai quali offre mostre personali e un sostegno promozionale nei primi cinque anni del loro percorso professionale. Dal 2017 la sua attivit\u00e0 si concentra principalmente su autrici e autori che operano nell’ambito dell’arte astratta geometrica e dell’arte concreta.<\/span><\/p>\n

Nel 2024 il team della galleria ha ideato e organizzato una mostra itinerante internazionale dedicata ad artiste rappresentate dalla galleria stessa, accomunate, oltre che dall’appartenenza di genere, da una ricerca sviluppata attraverso differenti media all’interno della pratica artistica sopra descritta. L’iniziativa nasce principalmente con l’obiettivo di favorire la creazione di reti tra gallerie europee che, prive di pregiudizi, sappiano riconoscere la qualit\u00e0 della ricerca delle artiste selezionate e l’importanza della creativit\u00e0 femminile nel contesto delle arti visive e, pi\u00f9 in generale, della societ\u00e0 contemporanea. Al progetto, tuttora in corso e in costante evoluzione, hanno gi\u00e0 aderito prestigiosi partner di altri Paesi europei, contribuendo a creare nuove opportunit\u00e0 di diffusione, maggiore visibilit\u00e0 e qualificata valorizzazione critica dei risultati artistici delle partecipanti nel panorama internazionale.<\/p>\n

La mostra si propone inoltre di interrogare questioni antiche e attuali che attraversano il sistema dell’arte, nel quale risulta spesso impossibile determinare il valore di un’opera attraverso criteri oggettivi, poich\u00e9 esso \u00e8 influenzato in misura ben maggiore dal contesto, dallo spirito del tempo e da coloro che contribuiscono a formare l’opinione pubblica.<\/p>\n

Attraverso le opere di artiste provenienti da diversi Paesi, la mostra itinerante mette in evidenza la complessit\u00e0 e la molteplicit\u00e0 di significati dell’arte visiva contemporanea, nonch\u00e9 le peculiarit\u00e0 tematiche, linguistiche e tecniche delle partecipanti, il loro impiego di differenti media e le soluzioni innovative che caratterizzano la loro ricerca. L’esposizione indaga inoltre le fonti d’ispirazione che hanno dato origine alle opere presentate. Questa serie di mostre non \u00e8 dunque una mostra sul genere, bens\u00ec un’occasione unica per presentare e valorizzare i pi\u00f9 recenti risultati della ricerca artistica delle artiste come collettivit\u00e0, offrendo al contempo la possibilit\u00e0 di conoscere direttamente le singole opere e le personalit\u00e0 creative che le hanno realizzate.<\/p>\n

La mostra \u00e8 stata presentata per la prima volta nel 2024 a Budapest (37 Gallery<\/em>); successivamente ha fatto tappa a Vienna (Sehsaal Galerie<\/em>), a Colonia e a Coaraze (Floss und Schultz Galerie<\/em>), per approdare infine quest’anno a Sofia (Nonsofia Gallery and Archive \u2013 Centre of Geometric Art<\/em>). In ciascun Paese sono state coinvolte nuove artiste, generalmente provenienti dal contesto nazionale ospitante. Nelle precedenti edizioni la Slovenia \u00e8 stata rappresentata da Beti Bricelj; per l’attuale allestimento presso la Galleria Medusa \u00e8 stata selezionata anche Katja P\u00e1l. La conclusione del progetto \u00e8 prevista per il 2028, anno in cui verr\u00e0 pubblicato anche un catalogo collettivo. Il volume documenter\u00e0 il ciclo delle mostre realizzate nelle gallerie europee e, attraverso contributi critici, offrir\u00e0 una valutazione della rete espositiva costruita nel corso del progetto, nonch\u00e9 delle singole poetiche artistiche delle partecipanti.<\/p>\n<\/p>\n


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Tatjana Sirk<\/em><\/p>\n

Traduzione: Ivan Markovi\u0107.<\/em><\/p>\n

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LE ARTISTE<\/h3>\n<\/div>\n
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Linda Arts<\/strong> (1971, Paesi Bassi)<\/p>\n

Il lavoro di Linda Arts si concentra su luce, spazio e prospettiva ed \u00e8 caratterizzato dall\u2019uso del nero, del bianco e di tutte le sfumature intermedie. Attraverso un\u2019interazione di grigi e piani emergono nuove prospettive, talvolta distorte, che spesso generano un effetto ottico. Poich\u00e9 Arts lavora con la pittura a olio, il processo di creazione \u00e8 lento. Lo stesso vale per l\u2019esperienza della visione: l\u2019opera non si rivela a colpo d\u2019occhio, ma richiede quiete e un approccio attento e contemplativo.\u00a0<\/p>\n<\/p>\n

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Beti Bricelj <\/b>(1974, Slovenia)\u00a0<\/span><\/p>\n

I cubi di Beti Bricelj funzionano come un diagramma operativo pi\u00f9 che come la rappresentazione di un oggetto tridimensionale. Il loro ruolo \u00e8 analitico: permettono di esplorare le relazioni tra planarit\u00e0, profondit\u00e0 e percezione. Il processo si fonda su un sistema di regole predefinito che struttura l\u2019opera e consente alle differenze di emergere come risultato immanente del sistema stesso.<\/span><\/p>\n

All\u2019interno di questo sistema, il colore agisce come elemento destabilizzante. Sfuma il confine tra planarit\u00e0 e chiarezza spaziale, incoraggiando un\u2019oscillazione tra la lettura del cubo come volume e la percezione del suo spazio interno. I confini interni ed esterni sfuggono a un orientamento stabile, attivando una continua ricostruzione della logica spaziale.<\/span><\/p>\n

Le opere non rappresentano lo spazio; lo attivano. Lo spettatore diventa partecipe del processo di ricostruzione visiva, in cui il significato nasce dalla relazione tra osservatore, sguardo e oggetto. Lo spazio \u00e8 inteso come risultato della visione \u2014 come esperienza iniziata e costituita dall\u2019opera. Ogni atto del guardare ricostruisce uno spazio che non si stabilizza mai, ma rimane in uno stato di costante trasformazione.<\/span><\/p>\n

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Maria Chakarova <\/b>(1972,<\/span> Bulgaria)<\/span><\/p>\n

Le opere di Maria Charakova\u00a0 sono principalmente dipinti a olio di grande formato, sebbene utilizzi anche acrilici, pennarelli e filo. Il suo metodo di lavoro implica riduzione, stratificazione, nonch\u00e9 l\u2019uso di colori primari e toni saturi.<\/span><\/p>\n

Il processo di lavoro di Maria Chakarova implica la semplificazione e l\u2019astrazione dai fatti visivi e dalla narrazione. L\u2019artista ottiene la stratificazione costruendo sottili strati di pittura a olio fino a raggiungere un colore o un tono intenso. Queste piccole tele, tuttavia, sono diverse. In esse, il colore della base, in armonia con la griglia e la geometria cromatica, si combina in una miscela eterea di tono, struttura spaziale e luce. Questo ambiente vibrazionale \u00e8 centrale per il dipinto. Chakarova associa il suo lavoro su questi pezzi a un ricordo positivo di leggerezza: il piacere di realizzare un dipinto attraverso l\u2019ordine e le relazioni tra gli elementi pittorici e i colori.<\/span><\/p>\n

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Rita Ernst <\/b>(1956, Svizzera)<\/span><\/p>\n

Rita Ernst \u00e8 una pittrice astratta svizzera nota per le sue reinterpretazioni pittoriche di forme architettoniche e sistemi geometrici. Vive e lavora a Zurigo e a Trapani, in Sicilia; la sua arte crea un ponte tra arte concreta e astrazione intuitiva.<\/span><\/p>\n

Le opere di Ernst si muovono lungo il confine tra architettura e pittura. A partire da planimetrie architettoniche, trasforma i suoi dipinti in sistemi di sottili bande verticali e campi di colore che evocano il ritmo e le proporzioni delle strutture originarie. Sebbene sia associata alla tradizione degli Z\u00fcrcher Konkreten, si discosta consapevolmente dalla costruzione strettamente razionale e sottolinea invece il processo intuitivo ed emotivo della pittura.<\/span><\/p>\n

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T\u00fcnde F\u00fcl\u00f6p <\/b>(1986,<\/span> Ungheria)<\/span><\/p>\n

T\u00fcnde F\u00fcl\u00f6p \u00e8 un\u2019artista tessile ungherese nota per il suo approccio innovativo alle tecniche tessili tradizionali. Combina un\u2019accurata abilit\u00e0 artigianale con una visione artistica contemporanea, creando opere che esplorano texture, colore e relazioni materiali. La sua arte riflette spesso temi legati alla natura, alla memoria e al patrimonio culturale, espressi attraverso tessitura, ricamo e media tessili misti. F\u00fcl\u00f6p ha partecipato a numerose mostre in Ungheria e all\u2019estero, e le sue opere si trovano in collezioni private e pubbliche.<\/span><\/p>\n

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Katalin Ha\u00e1sz<\/b> (1971, Ungheria)<\/span><\/p>\n

Nel 2008 Katalin Ha\u00e1sz ha realizzato una meridiana il cui gnomone \u00e8 un nastro di M\u00f6bius; i contorni delle ombre proiettate creano un sistema di linee con cui lavora da anni.<\/span><\/p>\n

Il nastro di M\u00f6bius \u00e8 una superficie che ha un solo lato e un solo bordo \u2013 se lo si segue, si \u201crovescia\u201d su se stesso. Questa singolare propriet\u00e0 porta gi\u00e0 in s\u00e9 un significato filosofico: continuit\u00e0, infinito, risoluzione degli opposti.<\/span><\/p>\n

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Jos\u00e9 Heerkens <\/b>(1950,<\/span> Paesi Bassi)<\/span><\/p>\n

L\u2019opera di Jos\u00e9 Heerkens <\/span>\u00d6C\u00f6 L11. One Evening<\/span><\/i> \u00e8 un esempio caratteristico della pittura astratta minimalista dell\u2019artista. Si tratta di un dipinto a olio su tela, costruito attraverso sottili transizioni cromatiche e fasce verticali e orizzontali ritmiche. A un primo sguardo, la composizione appare trattenuta e meditativa, ma con un\u2019osservazione prolungata iniziano a emergere delicati effetti di luce e profondit\u00e0 spaziale.<\/span><\/p>\n

Un tema centrale nell\u2019arte di Heerkens \u00e8 la percezione del colore, della luce e del tempo. Il titolo One Evening<\/i> suggerisce che il dipinto evochi l\u2019atmosfera o le condizioni luminose di una sera, piuttosto che raffigurare un paesaggio o una scena specifica. L\u2019artista utilizza spesso titoli che fanno riferimento a momenti della giornata, poich\u00e9 i suoi dipinti trasmettono atmosfere e percezioni interiori pi\u00f9 che immagini rappresentative.<\/span><\/p>\n

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Barbara H\u00f6ller<\/b> (1959, Austria)\u00a0<\/span><\/p>\n

Le linee sono presenti nelle opere di Barbara H\u00f6ller come strutture a griglia o a rete, sovrapposte, evanescenti e interrotte. L\u2019artista lavora solitamente per serie, per ciascuna delle quali sviluppa un nuovo sistema fortemente determinato dai materiali impiegati, dal formato e dall\u2019applicazione del colore. La continua tensione di Barbara H\u00f6ller verso la sistematizzazione fa s\u00ec che, gi\u00e0 durante il processo di lavoro di una serie, elabori nuove strategie per futuri gruppi di opere.<\/span><\/p>\n

L\u2019opera intitolata <\/span>Plac 2<\/span><\/i> (2018) riflette l\u2019approccio pittorico dell\u2019artista all\u2019astrazione geometrica. Le opere di H\u00f6ller sono caratterizzate da un uso ridotto della forma, da campi cromatici sottilmente strutturati e da composizioni che evocano un senso di spazio architettonico. All\u2019interno del dipinto, piani, linee e campi di colore in interazione tra loro generano al tempo stesso tensione ed equilibrio. L\u2019uso della pittura acrilica consente superfici pulite e omogenee e confini formali netti, che costituiscono alcune delle caratteristiche importanti della pittura di H\u00f6ller.<\/span><\/p>\n

La sua arte esplora questioni legate all\u2019ordine e al ritmo, al rapporto tra ripetizione e variazione, all\u2019attivazione della percezione spaziale dello spettatore e alle tradizioni del minimalismo e dell\u2019astrazione costruttiva.<\/span><\/p>\n

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Ingrid Hornef <\/b>(1940, Germania)<\/span><\/p>\n

Nei suoi dipinti, Ingrid Hornef rende visibili le leggi del caso in modo fortemente estetico \u2013 sorprendendo non solo gli amanti dell\u2019arte. Ogni dipinto possiede un effetto artistico unico. Mentre un dipinto sembra essere riempito da un intrico di linee, altri presentano motivi chiari, spazi aperti o figure simili a tangram. Come artista, stabilisce le regole: la scelta dei colori, le dimensioni dei dipinti, il tipo di linee e forme, i criteri da determinare mediante il lancio dei dadi. In seguito, tuttavia, utilizza il caso come \u201cdono delle muse\u201d, che conferisce a ogni dipinto un carattere distinto.<\/span><\/p>\n

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Martina Klein <\/b>(1962<\/span>, <\/b>Germania)<\/span><\/p>\n

Nelle sue opere monocrome Martina Klein esplora la pittura fino alla profondit\u00e0 dei suoi fondamenti. Gli effetti del colore, dei materiali e della percezione degli spettatori nello spazio sono il punto di partenza del suo lavoro artistico. Il suo approccio pittorico segue le orme della cosiddetta pittura concettuale \u201canalitica\u201d, ma sviluppa un linguaggio formale distintivo e del tutto personale. Superfici rigorosamente monocrome si proiettano nello spazio espositivo grazie alla collocazione strutturale non convenzionale delle sue tele. Altre opere si piegano per via dei loro supporti a forma di L e sono montate a parete o liberamente ovunque nello spazio. Diventano dipinti che modellano lo spazio e dialogano tra loro. Spesso si tratta di installazioni site-specific con forme e disposizioni variabili. In questi contesti mutevoli Martina Klein esamina le interrelazioni tra i ruoli convergenti di spettatore, opera d\u2019arte e artista.<\/span><\/p>\n

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\u00c1gnes Kontra <\/b>(1977,<\/span> Ungheria)<\/span><\/p>\n

\u00c1gnes Kontra \u00e8 principalmente ispirata dall\u2019esplorazione dei paesaggi interiori dell\u2019anima umana e dai suoi viaggi nel mondo esterno. La sua arte \u00e8 una forma di pittura introspettiva, lirica e sensibile, che invita lo spettatore a un\u2019interpretazione personale.<\/span><\/p>\n

Transizioni cromatiche morbide e spazi atmosferici sono caratteristici del suo lavoro e creano un\u2019atmosfera meditativa. Nei suoi dipinti utilizza 15\u201320, o anche pi\u00f9, strati di pittura a olio sovrapposti. Grazie a questi strati sottili e successivi, i colori non appaiono su un unico piano; acquisiscono invece profondit\u00e0 ottica e sembrano quasi fluttuare. Gli strati sottostanti traspaiono delicatamente, conferendo ai dipinti una luminosit\u00e0 interiore unica. Si tratta di un processo molto lungo, poich\u00e9 ogni strato deve asciugarsi, rendendo la creazione delle sue opere una pratica lunga e meditativa.<\/span><\/p>\n

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Zsuzsanna K\u00f3r\u00f3di <\/b>(1984,<\/span> Ungheria)<\/span><\/p>\n

Zsuzsanna K\u00f3r\u00f3di pensa sempre per strati. Gli strati generano immagini parallele e perpendicolari, che si muovono sia nello spazio sia nel tempo e sono caratterizzate da un ritmo ripetitivo. La maggior parte delle sue serie ruota attorno al tema dei diversi schermi e riflette sull\u2019ambiente digitale contemporaneo. Nelle sue sculture e immagini, l\u2019immagine visiva, il movimento o la geometria della luce si crea sempre tra due strati di questo tipo, posti a una determinata distanza l\u2019uno dall\u2019altro. Nel suo lavoro incorpora tecniche artigianali, industriali e digitali, combinandole per evocare i delicati contrasti che la aiutano a mettere in luce un determinato problema. \u00c8 interessata soprattutto alle forme piane monocromatiche e, ultimamente, alle transizioni cromatiche.<\/span><\/p>\n

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Minami Miyajima <\/b>(1997,<\/span> Giappone)<\/span><\/p>\n

Minami Miyajima \u00e8 una giovane artista contemporanea giapponese nota per dipinti geometrici costruiti principalmente a partire da quadrati e strutture simili a cubi. Nelle sue opere, spazi urbani, frammenti di memoria e mondo psicologico interiore si incontrano in una palette minimalista in bianco e nero o dai colori smorzati.<\/span><\/p>\n

Le sue opere non raffigurano luoghi specifici; sono piuttosto impressioni astratte di memoria, tempo e percezione.<\/span><\/p>\n

Il suo interesse principale \u00e8 creare uno spazio in cui lo spettatore possa scoprire i propri significati e le proprie associazioni. L\u2019interpretazione delle sue opere dipende interamente dal background dello spettatore, ed \u00e8 questo a renderle cos\u00ec affascinanti: possono essere interpretate in un numero infinito di modi.<\/span><\/p>\n

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Gabi Mitterer <\/b>(1967,<\/span> Austria)<\/span><\/p>\n

La serie di opere FLUPES<\/i> (FLuide\/striPES) di Gabi Mitterer \u00e8 composta da strisce di tela sciolte che \u2014 anche simbolicamente \u2014 si staccano dal tradizionale quadro su tavola, decostruendolo per essere disposte in nuove costellazioni d\u2019immagine variabili. Ci\u00f2 \u00e8 reso possibile da clip metalliche che fissano e tengono insieme le strisce di tela sovrapposte su un\u2019asta di ottone. Il gradiente cromatico acromatico e le estremit\u00e0 arrotondate rafforzano l\u2019elemento fluido, inerente anche alla consistenza della pittura a olio e, in un certo senso, trasformato in stato solido dalla sua applicazione sulla tela. L\u2019estetica digitale dell\u2019opera intende richiamare la sfocatura del\/dei medium, che, a causa dell\u2019illusione di profondit\u00e0, tiene conto dell\u2019aspetto dell\u2019inganno ed \u00e8 ulteriormente intensificata dalla stratificazione delle strisce.<\/span><\/p>\n

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Riki Mijling <\/b>(1954, Paesi Bassi)<\/span><\/p>\n

L\u2019opera <\/span>Infinite Void<\/span><\/i> di Riki Mijling rappresenta lo sviluppo che l\u2019artista ha attraversato negli ultimi dieci anni. Ci\u00f2 significa che vi sono presenti molti aspetti del suo lavoro recente: l\u2019uso di acciaio bruciato o arrugginito, la forma e lo spazio negativo, nonch\u00e9 la possibilit\u00e0 di appendere quest\u2019opera liberamente. Il modo in cui massa e vuoto funzionano insieme nell\u2019opera di Mijling \u00e8 privo di significato nel senso che non viene raccontata alcuna storia \u2013 e tuttavia il vuoto nella sua opera \u00e8 un simulacro, una parvenza. Perch\u00e9 che cos\u2019\u00e8 il \u201cvuoto\u201d? Che cos\u2019\u00e8 il \u201cnulla\u201d? Il patto segreto tra osservatore e scultura talvolta rivela la risposta a queste domande. Nel caso di Mijling, non attraverso il pensiero su ci\u00f2 che c\u2019\u00e8 da vedere, ma attraverso l\u2019esperienza del vuoto confinato, della quiete e della contemplazione. L\u2019opera di Mijling non si \u201ccapisce\u201d, si esperisce. Riki Mijling lavora all\u2019interno di una tradizione minimalista. Utilizzando materiali come ghisa, acciaio bruciato e acciaio CorTen, Mijling giunge a una semplificazione delle forme per lei essenziale: un linguaggio formale non oggettivo, non legato a un \u201csoggetto\u201d. Un lavoro dunque non referenziale, che non rimanda a un mondo esterno a quello dell\u2019opera stessa.\u00a0<\/span><\/p>\n

Testo di Antoon Melissen dal catalogo <\/span>Reduction<\/span><\/i>.<\/span><\/p>\n

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Katja P\u00e1l <\/b>(1979,<\/span> Slovenia)<\/span><\/p>\n

Invece di dipinti dalla classica forma quadrata, le opere di Katja P\u00e1l si basano su poligoni. Le superfici monocrome bidimensionali sono in relazione costantemente mutevole tra loro. Osservandole da diverse angolazioni, si rivelano le dinamiche delle disposizioni geometriche delle opere. Le composizioni proseguono lungo i lati dei dipinti, sfumandone i confini. Grazie a questa manipolazione prospettica, la presenza di profondit\u00e0 e spazialit\u00e0 rivela le fasi stratificate dei motivi delle immagini. La sua gamma cromatica \u00e8 intuitiva, ma le linee bianche di diverso spessore sono elementi ricorrenti. Dividendo i campi di colore con contorni netti, esse creano un forte contrasto tra le parti dell\u2019immagine. I colori sono spesso richiamati nei titoli. P\u00c1L realizza i suoi studi al computer. Pertanto, la diversit\u00e0 della geometria le consente di lasciarsi alle spalle le tecniche pittoriche tradizionali di creazione dell\u2019immagine. I suoi dipinti sostengono al tempo stesso la pratica dei disegni tecnici assonometrici e la meticolosit\u00e0 del tratto a mano libera.<\/span><\/p>\n

Il dipinto <\/span>MIXO-2574<\/span><\/i> fa parte di un\u2019indagine su come una determinata forma materiale, derivata da un pezzo di legno trovato, possa generare tensione spaziale sul piano pittorico. Attraverso un trattamento multistrato della superficie, Katja P\u00e1l esamina la relazione tra forma, struttura ed effetto spaziale, cos\u00ec come i modi in cui un dipinto pu\u00f2 affermare la propria presenza come oggetto nello spazio. Nel dipinto <\/span>[OM 027] nn14<\/span><\/i> riduce i mezzi visivi a un unico colore e a un unico elemento lineare. La forma iniziale da un pezzo di legno trovato, rimane invariata, ma l\u2019artista la affronta attraverso un gesto pittorico estremamente condensato. Con un intervento minimo, esplora come un singolo segno possa attivare il piano e spostarlo verso una presenza oggettuale.<\/span><\/p>\n

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Rita Rohlfing <\/b>(1964,<\/span> Germania)<\/span><\/p>\n

Le opere su base di alluminio di Rita Rohlfing operano all\u2019intersezione tra arte astratta contemporanea e percezione ottica. Queste opere non sono dipinti tradizionali, ma oggetti spaziali costruiti sull\u2019interazione tra luce, superficie e colore. Nonostante siano superfici piane, producono un effetto spaziale illusionistico: le opere appaiono spaziali e fluttuanti.<\/span><\/p>\n

Composizioni trattenute producono tuttavia una forte esperienza ottica e un impatto sensoriale. Le sue opere in alluminio non raffigurano oggetti; creano invece campi visivi in continuo mutamento attraverso i cambiamenti della luce.<\/span><\/p>\n

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Anik\u00f3 Robitz <\/b>(1978, Ungheria)<\/span><\/p>\n

Anik\u00f3 Robitz, fotografa ungherese contemporanea, esplora spesso nel suo lavoro l\u2019atmosfera, la complessit\u00e0 stratificata e il ritmo visivo degli spazi urbani.<\/span><\/p>\n

La serie <\/span>Venice <\/span><\/i>cattura l\u2019atmosfera senza tempo e malinconica della citt\u00e0, ponendo l\u2019accento sui riflessi della luce, sulle superfici d\u2019acqua e sulle sottili transizioni cromatiche. Spesso evita rappresentazioni dirette dei luoghi turistici, concentrandosi invece su dettagli silenziosi e ritmi visivi. In questa immagine, Venezia non \u00e8 semplicemente un luogo, ma una sorta di esperienza sensoriale: un senso di sospensione, lentezza e atemporalit\u00e0.<\/span><\/p>\n

\u00c8 caratterizzata da un uso consapevole della creazione digitale dell\u2019immagine, da uno spostamento verso il minimalismo compositivo e l\u2019astrazione, e dalla trasformazione della realt\u00e0 visibile in un\u2019esperienza personale e interiore. Robitz non documenta in senso tradizionale; piuttosto interpreta, trasformando gli spazi urbani in un linguaggio visivo in cui anche le associazioni personali dello spettatore svolgono un ruolo importante.<\/span><\/p>\n

La domanda \u00e8: come una citt\u00e0 diventa immagine, esperienza e paesaggio interiore attraverso la fotografia.<\/span><\/p>\n

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Esther Stocker <\/b>(1974,<\/span> Italia)\u00a0<\/span><\/p>\n

Attraverso sottili spostamenti, Esther Stocker esplora il fragile confine tra struttura e caos, mentre la griglia rivela un disordine paradossale: nonostante il suo rigore formale, sovraccarica l\u2019occhio umano e destabilizza la percezione della chiarezza.<\/span><\/p>\n

Per l\u2019artista, la griglia costituisce la base che rende innanzitutto percepibili le deviazioni dall\u2019ordine. Senza il sistema, l\u2019assenza di sistema sarebbe inconcepibile, poich\u00e9 pu\u00f2 essere descritta solo in relazione alla struttura d\u2019ordine esistente. In questa dialettica tra struttura e deviazione, Stocker sviluppa una propria logica del caos. Nascono spazi che offrono allo spettatore la possibilit\u00e0 di orientarsi e, allo stesso tempo, di perdersi. Il suo linguaggio formale ridotto, caratterizzato da linee e strutture a griglia in bianco e nero, si traduce in rigidi confini formali e dimensioni spaziali. I dipinti di Stocker, cos\u00ec come le sue installazioni e sculture, si sviluppano dalla concentrazione su mezzi minimalisti \u2013 le orizzontali, le verticali e le diagonali dello spazio \u2013 mentre la caratteristica riduzione a griglie in bianco e nero attraversa l\u2019intera sua opera come parentesi concettuale.<\/span><\/p>\n

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Anna Szprynger <\/b>(1982, Polonia)<\/span><\/p>\n

Le opere di Anna Szprynger sono uno studio della struttura e delle relazioni tra gli elementi all\u2019interno del campo pittorico. Attraverso la ripetizione della linea, spostamenti precisi e interruzioni controllate, Anna Szprynger costruisce sistemi di tensione in cui ogni dettaglio \u2013 una fessura, un cambiamento nella densit\u00e0 delle linee, la sovrapposizione dei piani \u2013 svolge una specifica funzione compositiva. Il silenzio tra le linee, una pausa o un vuoto, non \u00e8 assenza ma un portatore attivo di significato; questi elementi conferiscono alle opere il loro tempo e ne determinano la scala di intensit\u00e0. L\u2019artista non tratta tali caratteristiche come ornamentazione, ma come componenti di una grammatica formale che definisce il ritmo e le dinamiche interne dell\u2019immagine.<\/span><\/p>\n

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Mar Vicente <\/b>(1979,<\/span> Spagna)<\/span><\/p>\n

Mar Vicente ha iniziato originariamente come pittore, ma le sue opere si muovono lungo i confini tra pittura, scultura e installazione.<\/span><\/p>\n

Le sue opere intitolate <\/span>Zerw\u00fcrfeln <\/span><\/i>segnano una fase importante del periodo geometrico-astratto dell\u2019artista. Il titolo \u00e8 una parola tedesca: w\u00fcrfeln (\u201cridurre a cubi\u201d, \u201cgiocare ai dadi\u201d o \u201cspezzare in cubi\u201d) combinata con il prefisso zer-, che insieme pu\u00f2 essere reso approssimativamente come \u201cdecostruire il cubo\u201d o \u201cscomporre il cubo\u201d. Questo descrive efficacemente l\u2019essenza della serie: Vicente smonta, ruota e trasforma le forme di base del cubo e del quadrato in oggetti spaziali e otticamente instabili. I colori \u2014 principalmente rosso, blu, giallo, verde e bianco \u2014 non sono elementi decorativi, ma strumenti per manipolare la percezione spaziale.<\/span><\/p>\n

Il movimento dello spettatore \u00e8 fondamentale: osservata da diverse angolazioni, la forma cambia continuamente. In un primo momento, l\u2019occhio e il cervello percepiscono un cubo stabile, ma quando lo spettatore si sposta, questa unit\u00e0 \u201csi disgrega\u201d e comincia a funzionare come una serie di poliedri diversi. Le opere giocano quindi consapevolmente con l\u2019incertezza ottica, la prospettiva e le relazioni tra luce e ombra. Il ruolo della luce \u00e8 particolarmente importante per Vicente. Le superfici bianche spesso non sono aree \u201cvuote\u201d, ma riflettono invece i colori vicini, permettendo allo spazio stesso di diventare parte dell\u2019opera.<\/span><\/p>\n

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Olga Zabron <\/b>(1985, Polonia)<\/span><\/p>\n

Olga Zabron esplora l\u2019ambito dell\u2019arte geometrica. Lavora nella pittura, nel disegno, nell\u2019arte dell\u2019oggetto e nell\u2019installazione spaziale. Nei suoi dipinti, la linea diventa l\u2019elemento essenziale della struttura che crea forme ritmiche sospese in uno spazio indefinito di colore. Figure collocate centralmente, composte da linee pulsanti, sono una concentrazione di energia racchiusa in una forma geometrica. Quando gli spazi interni si incontrano, le tensioni aumentano e dinamizzano il piano apparentemente calmo dell\u2019immagine. Le forme geometriche dipinte su tela cercano autonomia ed emergono come oggetti in una nuova serie di opere. La forma si separa, si incrina e si disgrega parzialmente. Tutto ci\u00f2 le conferisce un significato del tutto nuovo. La forma spezzata in parti e in equilibrio lascia entrare lo spazio circostante. Genera un altro tipo di vibrazione, un effetto di inquietudine. Tutte le opere di Olga Zabron tentano di creare strutture di tensioni interne.<\/span><\/p>\n

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Traduzione dall\u2019 inglese: Rihard Lobenwein.<\/p>\n

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Stratificazione –\u00a0Mostra collettiva internazionale |\u00a0\u00a0 Galleria Medusa, Capodistria, 12.06.2026\u201320.09.2026 –\u00a0inaugurazione: venerd\u00ec, 12.06.2026, alle ore 19.00 |\u00a0 A cura di: Andrea B\u00f3dis, Barna Benedek, J\u00falia\u00a0N. M\u00e9sz\u00e1ros, Mil\u00e1n B\u00f3dis,\u00a0Coordinazione: Tatjana Sirk.\u00a0<\/p>\n","protected":false},"author":4,"featured_media":28327,"comment_status":"closed","ping_status":"closed","sticky":false,"template":"","format":"standard","meta":{"footnotes":""},"categories":[38,80],"tags":[],"class_list":["post-28326","post","type-post","status-publish","format-standard","has-post-thumbnail","hentry","category-galleria-meduza","category-mostre"],"acf":[],"_links":{"self":[{"href":"https:\/\/www.obalne-galerije.si\/it\/wp-json\/wp\/v2\/posts\/28326","targetHints":{"allow":["GET"]}}],"collection":[{"href":"https:\/\/www.obalne-galerije.si\/it\/wp-json\/wp\/v2\/posts"}],"about":[{"href":"https:\/\/www.obalne-galerije.si\/it\/wp-json\/wp\/v2\/types\/post"}],"author":[{"embeddable":true,"href":"https:\/\/www.obalne-galerije.si\/it\/wp-json\/wp\/v2\/users\/4"}],"replies":[{"embeddable":true,"href":"https:\/\/www.obalne-galerije.si\/it\/wp-json\/wp\/v2\/comments?post=28326"}],"version-history":[{"count":4,"href":"https:\/\/www.obalne-galerije.si\/it\/wp-json\/wp\/v2\/posts\/28326\/revisions"}],"predecessor-version":[{"id":28488,"href":"https:\/\/www.obalne-galerije.si\/it\/wp-json\/wp\/v2\/posts\/28326\/revisions\/28488"}],"wp:featuredmedia":[{"embeddable":true,"href":"https:\/\/www.obalne-galerije.si\/it\/wp-json\/wp\/v2\/media\/28327"}],"wp:attachment":[{"href":"https:\/\/www.obalne-galerije.si\/it\/wp-json\/wp\/v2\/media?parent=28326"}],"wp:term":[{"taxonomy":"category","embeddable":true,"href":"https:\/\/www.obalne-galerije.si\/it\/wp-json\/wp\/v2\/categories?post=28326"},{"taxonomy":"post_tag","embeddable":true,"href":"https:\/\/www.obalne-galerije.si\/it\/wp-json\/wp\/v2\/tags?post=28326"}],"curies":[{"name":"wp","href":"https:\/\/api.w.org\/{rel}","templated":true}]}}